Clearaudio präsentiert den neuen Maßstab für den Einstieg in die MM-Tonabnehmerklasse – reduziert auf das Wesentliche, aber kompromisslos in Klangqualität, Verarbeitung und Materialwahl. Ein Tonabnehmer, der klanglich weit über seine Preisklasse hinaus überzeugt.

Das neu entwickelte, eloxierte Aluminiumgehäuse dient als extrem stabiler Konstruktionsrahmen und überzeugt durch ein optimal ausbalanciertes Gesamtgewicht von nur 12,6 Gramm. Dadurch ist er gleichermaßen für leichte wie auch schwere Tonarme geeignet – und harmoniert perfekt mit dem clearaudio compass Plattenspieler.

In klassischem Schwarz oder elegantem Silber erhältlich, lässt sich der Tonabnehmer optisch ideal auf Tonarm oder Plattenspieler abstimmen.

Ein besonderes Highlight ist das innovative Stecksystem für den Nadelträger: Es ermöglicht einen schnellen und unkomplizierten Wechsel – sogar im eingebauten Zustand. Ideal für unvorhergesehene Zwischenfälle oder regelmäßige Wartung.

Artykuł Clearaudio N1 MM Tonabnehmer pochodzi z serwisu Cleartone.

wir freuen uns, mit dem N2 den neuesten Tonabnehmer in unserem MM-Portfolio vorzustellen. Basierend auf der bewährten Generator-Technik des N1 setzt der N2 mit seinem neu entwickelten Gehäuse aus carbonfaserverstärktem Material neue Maßstäbe in Sachen Vielseitigkeit und Resonanzkontrolle. Die Kombination aus etablierter Technologie und innovativer Konstruktion macht den N2 zu einer konsequenten Weiterentwicklung innerhalb der clearaudio MM-Serie.

Alle Fakten in Kürze:

• neuer MM-Tonabnehmer clearaudio N2
• 3,3 mV Ausgangsspannung
• 8,5 Gramm Gewicht machen den N2 mit einer Vielzahl von Tonabnehmern kompatibel
• Stecksystem für den Nadelträger ermöglicht einen schnellen und unkomplizierten Austausch der Nadeleinheit
• ab sofort erhältlich

Modernste Materialwissenschaft
Der Korpus des N2 wird aus einem speziellen PETG-CF-Kunststoff gefertigt. Die eingearbeiteten Carbonfasern verleihen dem Gehäuse eine Steifigkeit, die herkömmlichen Kunststoffen weit überlegen ist.

• Resonanzarmut: Die Materialstruktur minimiert unerwünschte Schwingungen und sorgt für ein sauberes Klangfundament.
• Präzisions-Finish: Ein hochwertiges, gelasertes Gehäusefinish in Schwarz unterstreicht den industriellen High-End-Anspruch.
• sicherer Halt: Integrierte Spezial-Einsatzbuchsen garantieren eine stabile Montage am Headshell.

Optimierte Performance
Durch eine nochmals höhere Selektionsstufe in der Fertigung liefert der N2 messbare Vorteile, die ihn als ideale Wahl für anspruchsvolle Setups empfehlen.

• gesteigerte Dynamik: Mit einer auf 3,3 mV angehobenen Ausgangsspannung bietet der N2 eine kraftvolle und detailreiche Wiedergabe auf dem Niveau der bewährten concept v2 Serie.
• ideales Gewicht: Mit exakt 8,5 Gramm ist der N2 deutlich leichter als das Aluminium-Modell N1. Damit entfallen etwaige Kompatibilitätsprobleme – der N2 harmoniert perfekt mit einer Vielzahl von Tonarmen, insbesondere auch mit leichteren Konstruktionen.

Der clearaudio N2 vereint innovative 3D-Druck-Technologie und moderne Werkstoffe mit

maximaler Flexibilität und setzt neue Maßstäbe für universell einsetzbare MM-Tonabnehmer.

Wie bereits beim N1 setzt auch der N2 auf das bewährte Stecksystem für den Nadelträger. Die Nadeleinheit kann bei Bedarf schnell und unkompliziert ausgetauscht werden, was Wartungsarbeiten vereinfacht und die Langlebigkeit des Tonabnehmers unterstützt.

Artykuł Tonabnehmer clearaudio N2 MM pochodzi z serwisu Cleartone.

Die smart double matrix reinigt beide Seiten einer Schallplatte gleichzeitig – gründlich, schonend und zeitsparend in nur einem Durchgang. Selbst eine stark verschmutzte Platte

erstrahlt nach circa zwei Minuten Reinigung wieder in altem Glanz. Die präzise Reinigungsmechanik ist für alle gängigen Schallplattengrößen geeignet. Über einen Schieberegler wird die Auflagefläche der Bürsten individuell angepasst.

Reinigungsflüssigkeit wird per Knopfdruck dosiert und so individuell an den Verschmutzungsgrad angepasst. Eine stabile Plattenklemme schützt das empfindliche Label während der Reinigung zuverlässig vor Feuchtigkeit. Die geräuscharme Absaugturbine trocknet die Schallplatte kraftvolle und zugleich leise.

Das robuste und gleichzeitig edel anmutende Gehäuse überzeugt durch seine hervorragende Stabilität sowie vibrationsarmen Betrieb.

Mit der smart double matrix konzentriert sich clearaudio auf das Wesentliche und macht damit professionelle Schallplattenpflege unkomplizierter und zugänglicher.

Artykuł clearaudio – smart double matrix pochodzi z serwisu Cleartone.

Konzentration auf das Wesentliche

Um hochwertigen Vinyl-Genuss in dieser Preisklasse zu ermöglichen, haben wir unser Know-how auf das klanglich Relevante fokussiert. Das Herzstück bildet ein präzises Lager in Verbindung mit einem exakt gefertigten Plattenteller-Subteller-System. Hinzu kommen der neue Tonarm T1, eine kompakte Version unseres vielfach bewährten Satisfy-Tonarms, sowie der eigens entwickelte MM-Tonabnehmer N1 – eine Kombination, die ein Hörerlebnis ermöglicht, das weit über die Erwartungen der Kompaktklasse hinausgeht.

Klang trifft Handwerk

Jedes akustisch entscheidende Bauteil – vom Tonarm über den Tonabnehmer bis zum Lager – wird mit höchster Sorgfalt in unserer Manufaktur in Erlangen gefertigt. Hochpräzise bearbeitete Komponenten, ausgesuchte Materialien und eine auf Langlebigkeit ausgelegte Bauweise stehen dabei für clearaudio-typische Qualität „handmade in Germany“.

Formvollendete Schlichtheit

Der compass überzeugt nicht nur klanglich, sondern auch durch seine klare Formensprache. Erhältlich in den Farben Schwarz und Silber, verbindet sein Design puristische Eleganz mit technischer Raffinesse. Die massive Stahlplatte auf der Unterseite sorgt für Stabilität und unterstützt das resonanzarme Spielverhalten. Eine hochwertige Acrylhaube mit Edelstahl-Gelenken schützt den Plattenspieler, ohne das Design zu stören.

Einsteigen. Aufstellen. Aufdrehen.

Der clearaudio compass wird komplett spielfertig ausgeliefert und ermöglicht so den direkten Einstieg in die Welt des hochwertigen Musikgenusses. Ein intuitiver Kippschalter an der Geräteunterseite aktiviert die gewünschte Drehzahl, der präzise gefertigte Tonarm wird über einen gedrehten Aluminiumhebel sanft abgesenkt. Höhenverstellbare Füße mit integrierter Entkopplung garantieren optimale Laufruhe.

Artykuł Clearaudio – compass <br />High-End-Klang. <br />Kompakt gedacht pochodzi z serwisu Cleartone.

Es bietet eine verbesserte Filterung und genügend Kapazität für Plattenspieler der OVATION und INNOVATION-SERIE von clearaudio.

Die Verbesserung der Klangqualität ist erheblich, da die gereinigte, analoge Stromquelle erweitere Reserven für eine noch sauberere und gleichmäßigerere Motorleistung bietet.

Das Professional Power 24V Netzteil wurde speziell entwickelt, um die Lücke zwischen dem Standardnetzteil und dem SMART POWER 24V zu schließen.

Darüber hinaus umfassen die elektronischen Konstruktionsmerkmale professionelle, elektrische Komponenten und einen resonanzoptimierten Transformator, um sicherzustellen, dass keine mechanischen Resonanzen über das Gehäuse übertragen werden.

Somit wird ein klares, natürliches sowie hörbares Erlebnis für noch mehr Vergnügen geschaffen.

Artykuł Clearaudio Professional POWER 24V pochodzi z serwisu Cleartone.

…one of the most thoughtful pianists of her generation.

Andrew McGregor 2006

Reflections on the Robert Schumann-Clara Schumann-Johannes Brahmstriangle from one of the most thoughtful pianists of her generation ought to be interesting, and sure enough, right from the opening chords of the Schumann Piano Concerto I knew I had to hear Hélène Grimaud’s latest project to the end.

If you’ve heard this lovely work once too often in a merely average performance, then drink deeply at Grimaud’s spring, for you’ll leave refreshed…not an overblown romantic gesture, and no cloying sentimentality; instead a strong, straightforward reading where every note seems just so, yet without feeling calculated. Grimaud is quizzical and warmly affectionate; nothing is taken for granted, and in Salonen and the Dresden Staatskapelle she has ideal partners, following wherever she leads, but never too slavishly.

The Concerto’s sense of characterful energy is echoed in the three Clara Schumann songs that follow, with mezzo Anne Sofie von Otter…definitely not mere pale imitations of Robert Schumann’s genius as a songwriter. Grimaud and cellist Truls Mork fall into conversational nostalgia in a sweet-toned performance of Brahms’s E minor Cello Sonata, and it’s left to Grimaud alone to end her recital with memorable accounts of Brahms’s Op. 79 Rhapsodies.

I’m not sure I knew any more about the relationships between the three composers at the end of it all, but my appreciation of each of them has most definitely been enhanced.

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Tim Ashley
The Guardian, Friday 13 January 2006
Schumann: Piano Concerto

Subtitled Reflection, Hélène Grimaud’s latest album, carefully programmed as always, is a meditation on the nature of love as embodied in the triadic relationship between Schumann, his wife Clara, and Brahms, whose love for both of them was the dominant influence on his life and work. The disc finds the French pianist at her visionary best.

It opens with a passionate yet unsentimental performance of Schumann’s Piano Concerto conducted by Esa-Pekka Salonen that ranks among the finest ever recorded. Anne Sofie von Otter is the soloist in a turbulent group of Clara’s songs, while Truls Mork joins Grimaud for a powerful version of Brahms’s First Cello Sonata. The album closes with Grimaud playing Brahms’s Op 79 Rhapsodies, another overwhelming performance that captures the composer’s shattering isolation as well as his deep affection for his best friend’s wife. A truly great achievement, this is unmissable.

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The following review of this LP appears on www.vinylkatalog.de:

„Born in 1969, American pianist Hélène Grimaud was brought up in France before moving to the USA. It was in America that she came to be regarded by many as the Martha Argerich of her generation: an exceptionally talented, original and influential artist.

This is an unusual album, a ‘concept album’ that groups together related works of three composers. The common theme is the triangle of love and respect between Robert and Clara Schumann and their glowing worship of Johannes Brahms.

The outstanding masterpiece of the album is Robert Schumann’s Piano Concerto: so passionate an interpretation that one can sense Schumann’s inspiration. Grimaud’s expressive performance of the main theme is truly special, and the interplay between her and the Staatskapelle Dresden under Finnish conductor Esa-Pekka Salonen has all the power and tension of a world premiere – it is like listening to the work performed for the very first time. The solo cadenza should bring tears to the eyes of every piano lover.

The following three songs from Schumann’s wife Clara show that she was not only a great pianist, but a composer on a par with her husband.

The opening sonata of the „family friend“ Brahms features Grimaud with Norwegian cellist Truls Mørk (the first Scandinavian winner of the Tchaikovsky Competition). The two musicians inspire each other to achieve a rarely heard balance between precision and emotion.

The album closes with Brahms: the two highly dramatic Rhapsodies op. 79 in which Grimaud, now solo, once again demonstrates her again virtuosity and ingenuity!

I cannot deny that Clearaudio founder Peter Suchy has, with this vinyl release, satisfied a very personal desire. I assume that I will not be alone in this! (2006/2013)“
(quoted from: www.vinylkatalog.de)

Artykuł SCHUMANN, Clara SCHUMANN, BRAHMS<BR />Reflection<BR />Helene Grimaud<BR />Anne Sofie von Otter<BR /> Esa-Pekka Salonen pochodzi z serwisu Cleartone.

Jean-Philippe Rameau revendique pour la musique et l’orchestre un statut nouveau, premier, incontestable. Et même s’il a composé des opéras, presque uniquement des opéras, -et quels ouvrages lyriques !-, grâce à lui, le musicien égale voire supplante le poète dans l’expression des passions humaines. Des couleurs inédites, des mélodies et des alliages de timbres jamais entendus, des trouvailles inimaginables, surtout des résonances impérieuses qui revisitent danses et divertissements, surtout les formats imposés depuis Lully pour la grande machine tragique : tempêtes, sommeils, airs infernaux… On lui a souvent reproché l’inconsistance des livrets dont il choisissait pourtant l’auteur ; il est certain que son théâtre est plus musical que vocal. Il est indiscutable que son génie s’est principalement dévoilé dans la fosse. En théoricien, il s’est imposé sur l’arène française. Et après lui, il n’y aura guère qu’un Berlioz capable de l’égaler. Coloriste, harmoniste, contrapuntiste, mélodiste, alchimiste des rythmes, il a excellé sur tous les registres de l’invention orchestrale. Alors pourquoi n’a-t-il pas composé logiquement des symphonies ? Mais il l’a fait ; encore fallait-il en déceler les divers éléments au sein de ses opéras justement, puis en recomposer une symphonie. Un travail de sélection et de recréation dont le directeur des Musiciens du Louvre nous invite à entendre les fruits dans le présent album.

Minkowski a abordé le théâtre de Rameau avec le succès et l’intelligence que l’on sait : de Platée (Erato), Hippolyte et Aricie, à Dardanus (Archiv), – entre autres – il s’est taillé une solide réputation sur le propos ramiste, imposant cette sonorité ronde et fruitée, incisive et mordante dont il tient la science et la sensibilité de son expérience de bassoniste vécue dans la fosse avant de la diriger. Habile directeur, il s’ingénie à ressusciter le génie coloriste et pictural d’un Rameau autant orfèvre du détail que peintre des grands ensembles. Qu’il s’agisse de la lisibilité de chaque nuance de timbres (hautbois et bassons, flûtes et cors), de la nervosité explosive des rythmes, qu’il s’agisse tout autant de la clarté mélodique, de l’architecture des plans instrumentaux, voici l’orchestre de Rameau dans sa splendeur retrouvée.
Cette « symphonie imaginaire » convaint par la cohérence artistique de son propos. C’est qu’à l’époque de Rameau justement les premiers symphonistes émergent au Concert Spirituel. Il est donc légitime d’inventer cette symphonie à laquelle l’imagination et l’ambition du musicien, compositeur lyrique et théoricien, donnent matière et légitimité. De fait, ses opéras regorgent de pages purement instrumentales qui font de son théâtre, l’un des plus orchestraux qui soient… avant Wagner et Berlioz. En cinquante six minutes, se succèdent les pages les plus inspirées du musicien, du Chaos fracassant de Zaïs, au paysage funèbre de Castor et Pollux, sans omettre l’épisode presque abstrait des Boréades (Prélude, plage 10) et cette nouvelle orchestration de la Poule, à l’origine pièce pour clavecin que Rameau reprit et adapta pour ses Concerts en Sextuor. L’expert des rythmes de danses n’est pas omis et l’on ne saurait discuter ici du choix opportun de l’entrée de Polymnie des Boréades ni de la Chaconne finale extraite de l’entrée des Sauvages des Indes Galantes. Sans les voix, l’orchestre semble gagner en profondeur et en justesse poétique ; et le génie de Rameau paraît même plus éloquent et moins dilué. Les suites de danses d’après les opéras de Rameau ont diversement inspiré les chefs ramistes. Nous tenons dans cet opus, la proposition la plus aboutie avec celle que Nicholas Mc Gegan a dirigé d’après Platée (DHM).

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : une symphonie imaginaire. Suite orchestrale extraite des opéras et ouvrages scéniques : Zaïs, Castor et Pollux, Les Fêtes d’Hébé, Dardanus, Le temple de la gloire, Les Boréades, La Naissance d’Osiris, Platée, Concert N°6 en sextuor “ la Poule „, Hippolyte et Aricie, Naïs et Les Indes Galantes. Les Musiciens du Louvre, direction : Marc Minkowski.
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Jean-Philippe Rameau is recognized as the greatest orchestral composer in France prior to Berlioz, even though everything he ever wrote was for stage performancs with vocalists. Other composers of the time were beginning to develop the French symphony but Rameau never wrote for the orchestra alone. So Marc Minkowski and his original instruments band decided to create an all-Rameau symphonic work of their own — an imaginary symphony.

They begin with a very dramatic overture which tells of the origin of the world. Next is a disturbing funeral scene from Rameau’s Castor et Pollux. The made-up work continues with various dances, interludes and divertissements from many different Rameau works, plus a harpsichord piece that the composer had already orchestrated himself. The dance rhythms of some of these pieces are just as infectious as some of today’s dance music. In those pieces which had a vocal part, it was simply removed. Minkowski wanted to pay tribute to one of the greatest masters of the orchestra — an innovator whose achievements stand out in bolder relief due to the ingenious assembly of his music in this fake symphony. (…) Well, this is Rameau Without Singing!

— John Sunier

Artykuł RAMEAU<BR />une symphonie imaginaire<BR />Les Musiciens du Louvre<BR /> Mark Minkowski pochodzi z serwisu Cleartone.

Ferenc Fricsay

Artykuł DVORAK, LISZT, SMETANA <br />Symphony No. 9 in E minor / Les Preludes / Ma Vlast: Vltava <br />Radio-Symphonie-Orchester Berlin <br />Ferenc Fricsay pochodzi z serwisu Cleartone.

Artykuł SCHUBERT<br />Nacht und Traume<br />Monika Teepe, Klaus Jackle pochodzi z serwisu Cleartone.

Als ‚italienischer Brahms‘ wird der (allerdings eine ganze Generation jüngere) Komponist, Pianist und einflußreiche Lehrer Giuseppe Martucci (1856-1909) immer wieder bezeichnet, und eine gewisse Verwandtschaft in der musikalischen Sprache ist tatsächlich gegeben. Martuccis Anliegen war, die seit Jahrzehnten anhaltende Vorherrschaft der Oper in Italien zu brechen und eine neue italienische Instrumentalmusik-Tradition zu begründen – was ihm in seiner zweiten Lebenshälfte auch gelang. Vor allem seine je zwei Symphonien und Klavierkonzerte gelten in der italienischen Musikgeschichte diesbezüglich als Schlüsselwerke. Das zweite Klavierkonzert op. 66 ist ein gewaltiges Werk mit einem über 20minütigen Kopfsatz (allein dessen Kadenz stellt allerhöchste Anforderungen an den Pianisten!), gefolgt von einem ausgesprochen lyrischen zweiten und einem brillanten, sprühenden Finalsatz. Das außerhalb Italiens selten aufgeführte Werk ist eine spannende Entdeckung und wertvolle Repertoire-Erweiterung – zumal in einer solch hochkarätigen Einspielung wie hier, in den Händen eines Gespanns der Klasse Oppitz/Muti! Man fragt sich da einmal mehr, was in den Archiven der Rundfunksender noch alles schlummert… Dank an Clearaudio für diese mutige Veröffentlichung abseits des Mainstreams! (2009)

Artykuł MARTUCCI<br />Konzert fur Klavier und Orchester b-moll, op.66<br />Gerhard Oppitz<br /> Riccardo Muti<br /> Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunk pochodzi z serwisu Cleartone.